@Cafe Oto

Trovandomi ancora in rotta di collisione con il nefasto pianeta "Melancholia", in questa settimana mi è stato impossibile ascoltare qualcosa che non fosse  musica da camera (nello specifico le composizioni  più deprimenti tipo "Adagio for Strings" di Barber). Per niente in linea con questo blog, e dunque riporto pari pari il resoconto del live Julia Kent- (r) ossia Fabrizio Modonese Palumbo- Cindytalk dello scorso 18 ottobre al Cafe Oto (Londra), con tanto di video allucinogeni inclusi:

http://www.fluid-radio.co.uk/2011/10/julia-kent-r-cindytalk-%E2%80%93-live-at-cafe-oto/

Julia Kent, (r), Cindytalk – Live at Cafe Oto

Posted On: October 26, 2011

Julia Kent from Gianmarco Del Re on Vimeo.
“I am happy to be in Europe where people can understand my jokes, the trouble is I don’t have any”. In typical self-deprecatory style, Julia Kent opened Tuesday’s gig with an assured set drawing mainly from her latest album, Green and Grey, a carefully balanced meditation on the dichotomy between the urban and the natural world. Focused and controlled, Kent resisted the temptation of overlaying the loops while weaving delicate and yet piercing melodies suggesting an unresolved sense of longing. In her set she mapped out a tender and fiercely humane diagram of fleeting moments hinged on the transitory nature of life. Her lightness of touch was remarkable, even when she laid bare her vulnerabilities.
A personal highlight was the wonderful Dear Mr Twombly dedicated to the late American painter, a track that took an elegiac tone without mutating into a mournful lament. And yet, at times, I found myself secretly hoping for some slippage of some kind, just to be able to momentarily lose my bearings. That is not to say that she treaded on safe ground opting for the genteel and the achingly beautiful. Instead she injected a suitable tension in the crescendo of several tracks that only sparingly gave way to a more languorous mode. As it was, Kent’s perfectly judged performance favoured a highly polished approach, without trying to be sleek. Deceptively easy to capture, it required active concentration in order to unveil its hidden subtleties. It made for rich pickings.

(r) live at cafe OTO from Gianmarco Del Re on Vimeo.
Back in London under his (r) moniker, and joined by Daniele Pagliaro, Fabrizio Modenese Palumbo was also on top form. A member of Larsen, who gave a rough around the edges but thoroughly enjoyable performance here at Cafe OTO only 10 days ago, Fabrizio also shares the bill with Julia Kent and Paul Beauchamp, as Blind Cave Salamander. As (r) however, he is able to indulge his queerest musical tastes with gay abandon which is what his did in spades.
Rigorously dressed in pink, complete with a pink feather boa, he was joined by Daniele Pagliero who created an electronic tapestry onto which Modonese Palumbo embroidered his electric set with a calculated frenzy that never felt hurried. Singing very softly in a baritone voice, when not howling as he did on Marlene Dietrich’s cover See what the Boys in the Background Will Do, Fabrizio quickly shifted gears moving from the sepulchral to the abstract, fracturing, in the process, any plausible interpretation of a post gay reading of standards such as Tammy Wynette’s The Ways to Love a Man or Marianne Faithfull’s Sister Morphine. Clearly enjoying himself Fabrizio Modonese Palumbo let rip wrestling his guitar while shredding the tracks from his album Drama Queen to bits. All done in good fun and with a penchant for the epic, which might have benefited from a few occasional trimmings, had it not been delivered with such unadulterated gusto that was difficult to dispute.
Third act of the night was the eagerly anticipated Cindytalk. Before coming on stage, Gordon Sharp told me he had prepared a noisy set. Having recently delivered a stunning trio of albums on the Mego label, home to Fennesz and Bill Orcutt, which saw him plunging into uncharted waters to develop a radically new language for Cindytalk, it was difficult to guess how that would translate into a live setting especially one tilted towards the noisier side of the spectrum. Starting off in a suitably sombre mode, more abrasive than melancholic, Cindytalk quickly captured the stage with an assured presence, which indicated that the transgender warrior was not willing to take any prisoners. And yet there was no posturing and nothing confrontational in Cindy’s voice. On the contrary it was immediately apparent how delicate and fragile Cindytalk’s sound was even if coated in an armour of steely dissonance. Performing with his eyes firmly closed as if cocooning himself as one does when inhabiting a non-space as described by Marc Augé, and only occasionally glancing towards the audience or to the back projection onto which spilled images pertaining to the feminine, I felt like an intruder eavesdropping on a very private conversation.

Cindytalk - live at Cafe OTO from Gianmarco Del Re on Vimeo.
It made me think of a passage from a Don DeLillo novel The Body Artist. “That night she stood outside his room and listened to him whimper. The sound was a series of weak cries, half cries, dull and uniform, and it had a faint echo, a feedback, and carried a desolation that swept aside words, hers or anyone’s. She didn’t know what it meant. Of course she knew. He had no protective surface. He was alone and unable to improvise, make himself up. She went to the bed and sat there, offering touches and calming sounds, softenings of the night. He was scared. How simple and true. He was there in the howl of the world. This was the howling face, the stark, the not-as-if of things.”
Granted that there is no whimpering in Cindytalk sound, it is just the primeval fear I felt creeping up on me that brought me back to this passage, the feeling of loneliness echoed by Anna Karina’s face flickering on the screen. But it might have easily just been me projecting. Whatever it was, I was left trembling until, like softenings of the night, Julia Kent and Fabrizio Modonese Palumbo joined the proceedings halfway through Cindytalk’s set tracing the contours of a possible path leading towards the light. Without holding onto the helm, Cindy let them gently steer the boat within reach of the shore but still refusing to drop the anchor. The pervasive sense of displacement so intrinsic to Cindytalk’s music remained intact. Never going for the easy option Cindy sat at the piano like someone trying to articulate in a foreign language something deeply personal.
Having prepared myself to a barrage of noise I kept loosing my footing taken aback by the sparseness of the sound enveloped by Julia Kent’s cello and Fabrizio Modonese Palumbo’s electric guitar and viola with murmurs of appeasement. It was a performance that subverted my expectations. Once again, I will borrow from Don DeLillo’s novel to voice my feelings. There is a passage where he writes about the wind, which sums up my experience “There is something about the wind. It strips you of assurances, working into you, continuous, making you feel the hidden thinness of everything around you, all the solid stuff of a hundred undertakings-the barest makeshift flimsy.”
In the end I was left with more questions than answers, and that to me is always a good sign.
- Gianmarco Del Re for Fluid Radio

Poi ho visto che ormai è stata sdoganato su qualche blog anche "Dendrophilia" di Justin Vivian Bond...magari domani sempre che l'orbita melancholica prenda un'altra via...molto più probabilmente mi soffermerò su un album splendido ma deprimente, che a Melancholia si ricollega in maniera stretta, ossia la rivisitazione di Ben Frost e Daniél Bjarnason della soundtrack del film di Andrej Tarkovskij "Solaris".

Tamer Animals

 Il progetto Other Lives nasce nel 2004 sotto il nome "Kunek", inizialmente un terzetto formato da Jesse Tabish, che potrebbe essere considerato il front-man del gruppo, alla voce, piano e chitarra, Jenny Hsu al violoncello, violino, autoharp, e Colby Owens alla batteria, la cui unica pubblicazione "Flight of the Flynns" risale al 2006.
Al terzetto di Stillwater (Oklahoma), si aggiungono altri due elementi: John Onstott al basso ed organo, e Jonathan Mooney al violino, chitarra, tromba e piano; a questo punto il nome della formazione cambia in Other Lives. Il primo album esce nel 2009 e prende il nome della band, un disco che ha avuto un discreto successo, ma che comunque suona un po' scarno ed incompleto, cadendo a volte anche in una certa mielosità...
Tutt'altra questione è invece il soggetto del post, ossia il loro secondo album "Tamer Animals", uscito a maggio negli USA e soltanto a fine settembre anche qui in Europa, un album di facile ascolto benchè piuttosto complesso e ricco di strumentazioni che si intrecciano, tanto da aver necessitato di 14 mesi di lavorazione, un album notturno, ma soprattutto dal forte potere evocativo....come scritto da più parti, la soundtrack perfetta per un lungo viaggio in auto attraverso paesaggi naturali che si alternano attraverso differenti condizioni di luce. Si trovano chiari riferimenti ai ritmi ripetitivi ed ossessivi di Philip Glass nel brano di apertura "Dark Horse" (di cui Tabish si dice ossessionato), ed un chiaro omaggio alle soundtracks dei vecchi film western curate da Morricone in "Old Statues", una perfetta unione tra indie-folk ed orchestrazioni classiche usate sempre con parsimonia senza cadere in un eccesso fastidioso.

Forse non si tratta di un album immediato, richiede più e più ascolti per poter apprezzare ogni singolo contributo di ogni membro del gruppo (tutti quanti polistrumentisti); nessun brano spicca sugli altri, nessun potenziale singolo...o forse sono tutti potenziali singoli...l'importante è ascoltare l'intero lavoro nella sua completezza per capire che ogni brano è strettamente legato a tutti gli altri.Qui
L'8 novembre suoneranno a Milano (unica data italiana), mi sembra un'ottima occasione per vederli dal vivo:
"For 12"


"Weather"


"Dust Bowl III"

Other Lives - Dust Bowl III from HearYa.com on Vimeo.

Qui lascio il link per l'intera sessione per HearYa.com:
http://www.hearya.com/2011/10/12/other-lives-live-session-94/

Buon week-end! :)

Un'aggiunta alle Nostre

Sono sempre più dell'idea che la percezione che abbiamo di un disco, per quanto esso possa essere significativo e creativo, sia comunque fortemente influenzata dal contesto in cui lo si ascolta. E' senza dubbio importante l'ambiente fisico, dunque l'inevitabile rumore circostante, è certamente importante l'aspetto legato alla condivisione o meno con un'altra persona/e, ma una particolare rilevanza lo ha anche l'aspetto climatico... Da qui la mia fissa (credo comunque condivisa) di collocare dunque l'ascolto di un album nella sua giusta cornice così che i colori, la temperatura, l'intensità della luce, il grigiore od al contrario un cielo limpido, possano permetterne una maggiore esaltazione.
Tutta questa introduzione per intendere che con l'arrivo dell'autunno, davanti magari ad una tazza di tea caldo accompagnata da una stopposissima torta di nocciole, viene forse più naturale lasciare da parte sonorità elettroniche o comuque "artificiali" per dar spazio a strumentazioni più classiche (suonate sempre in un contesto non legato alla musica classica!); così nel mio caso ho ripreso un ottimo consiglio datomi qualche mese fa: "The Knife that Cuts a Tear" di Kristin Rule (grazie ancora C.! :))
Riassuntivamente: Kristin Rule (o "The Unconventional Cellist"), a differenza delle altre qui ben note violoncelliste pratiche della tecnica looping (Kent, Keating, Olsson, Gudnadottir), proviene dall'emisfero australe, parte del mondo forse per noi europei più facilmente associabile ad altri generi musicali. Per essere più specifici è nata a Stoccolma ma presto trasferita con la famiglia a Melbourne dove ha studiato violoncello per poi dedicarsi anche al saxofono.
Nel 2002 subisce la perdita prematura del padre, ed in cerca di risposte si rifugia nel bush australiano dello stato di Victoria, territorio che si affaccia sul mare della Tasmania, a sud-est dell'Australia; da questa esperienza si fortifica in lei un profondo spirito ecologista e nel 2006 ne nasce l'album di debutto "Be not Afraid", disco dedicato al padre, alla cui pubblicazione segue un tour di 20 settimane per lo stato di Victoria, seguendo per il New South Wales ed il Queensland, percorrendo in sella alla sua moto quindi tutta la costa est australiana, trasportando inoltre con se un pannello solare per generare l' energia elettrica necessaria alla parte elettronica. A questo seguono svariate collaborazioni e commissioni per sonorizzare cortometraggi e documentari tra cui "Memoirs of a Plague", realizzato per la National Geographic ed incentrato sul problema delle locuste in seguito ai cambiamenti climatici. Nel 2010 pubblica "The Knife that Cuts a Tear", album che certamente trova i gusti di chi è solito ascoltare le altre Nostre spesso presenti su questo blog, difatti anche la Rule utilizza un laptop e dei classici pedali (alimentati dall'energia solare accumulata), ed anche lei costruisce le sue composizioni tratto per tratto, introducendo man mano elementi che vanno a creare poi il brano nel suo senso più completo. Alla pubblicazione del secondo album  è seguito un altro tour, questa volta però in sella ad una bicicletta opportunamente modificata in modo da poter trasportare violoncello, strumentazioni elettroniche ed il pannello solare.
Sul suo sito http://www.kristinrule.com tra l'altro denso di contenuti, si possono vedere due corti realizzati utilizzando la sua musica, ovviamente sempre a tematica eco-friendly, nonchè un sacco di fotografie inerenti ai suoi tour...certo che l'Australia deve essere un posto davvero fantastico!



"Nature of Reality" dall'album "The Knife that Cuts a Tear"...sia il brano che il suo modo minimalista e privo di mimica di suonare (che tanto mi ricorda le "altre"), a me lasciano piacevolmente senza parole.


"Insight"


Anche in questo caso non lascio il link per download, piuttosto il suo bandcamp, trattandosi di un'artista fin'ora silenziosa e che meriterebbe senz'altro maggiore visibilità, cosa che spero accada per l'uscita del suo terzo album "The Awakening", prevista nel 2012...ed allora si tornerà, almeno qui, a parlare di lei.


Buon ascolto!
(ed in questo caso non date retta ai post consigliati sotto, il passaggio dalla discrezione della Rule all'eccesso mimico della Beiser sarebbe troppo brusco!)

There's a rat!

"All things Will Unwind" esce a 3 anni di distanza dal precedente album "A Thousand Shark's Teeth", periodo di tempo in cui comunque Shara Worden non si è adagiata su una sempre più crescente celebrità, anzi, il numero di collaborazioni è stato piuttosto sostenuto, da David Byrne per l'album "Here Lies Love" (ispirato alla figura eccentrica e stravagante di Imelda Marcos, ed alla sua smisurata passione per le scarpe), al solito Sufjan Stevens, al riuscitissimo progetto "Clogs"; ha preso parte all'opera rock dei The Decemberist "The Azards of Love", ha collaborato con Sarah Kirkland Snider, nonchè recentemente ha confessato di stare prendendo parte alla prossima realizzazione visuale di Matthew Barney (artista contemporaneo/regista e mente geniale, autore di quel capolavoro estetico che è "The Cremaster Cycle", e purtroppo per lui :), anche ex-marito di Bjork), di quest'ultimo progetto si sa ancora molto poco, eccetto che di sicuro non vedrà la luce a breve, data la sua complessità (...vedremo).
Tornando ad "All Things Will Unwind", si può dire che si tratta di un album nato su "commissione", difatti nel 2010 Shara è stata invitata a comporre qualche nuovo brano per un concerto della serie American Songbook che si tengono al Lincoln Center (NYC), concedendole totale libertà artistica ed un budget senza limitazioni. Cogliendo l'opportunità soprattutto di quest'ultimo punto la Worden ha potuto pensare alla realizzazione di ciò ce lei stessa ha definito come "una dichiarazione artistica", una crescita nei contenuti dei suoi testi, un arricchimento per quanto riguarda l'estetica, ed un'evoluzione musicale.
Procedendo per passi, Shara in questi ultimi 3 anni ha avuto una figlia, ha perso una persona a lei cara, e si è ri-trasferita da New York a Detroit, città che ha trovato profondamente cambiata per via di un progressivo impoverimento, risultato del dissesto economico; è venuta a contatto con quartieri via via sempre più degradati e case abbandonate, ma anche con un'artista che si occupa di piantare cespugli di rose nei giardini delle abitazioni vuote, nel tentativo di mantenere comunque vivo un luogo...per spiegare a fondo sono stati girati due corti, uno incentrato sulle scelte stilistiche (si scopre anche il perché della copertina album) e musicali, l'altro sulle storie da cui ha preso ispirazione in quanto a stesura testi:


My Brightest Diamond - ALL THINGS WILL UNWIND: Stories and Sounds from Asthmatic Kitty on Vimeo.


My Brightest Diamond - ALL THINGS WILL UNWIND: Visuals from Asthmatic Kitty on Vimeo.
Shara amplia le sue visioni, riflette sulla ciclicità della vita,la nascita, la morte, chi c'era prima e chi verrà dopo, ma si dedica anche a riflessioni politiche e sociali, deducibili in testi come la nota "We Added it Up", che trae spunto da un discorso di Obama circa gli opposti che regolano gli equilibri mondiali:

e molto più evidenti invece in "There's a Rat", brano che ha anche un storia divertente :)

Quanto al lato musicale, Shara ha lasciato la chitarra elettrica,suonando di tanto in tanto un ukulele e qualche piccola strumentazione, per lasciare spazio sì alla formazione che vede Brian Wolfe alla batteria, Zac Roe alla chitarra, e DM Stith, ma soprattutto alle orchestrazioni della yMusic, ensemble formata dall'onnipresente (e sempre ottimo) Rob Moose al violino e chitarra acustica, Nadia Sirota alla viola, Clarice Jenson al violoncello, Alex Sopp al flauto, CJ Camerieri alla tromba e corno inglese ed Hideaki Aomori al saxofono e clarinetto, musicisti che conosciamo bene dalle numerose collaborazioni con Antony, Bon Iver, Valgeir Sigurdsson, Rufus Wainwright, la stessa Shara nei precedenti album come My Brightest Diamond e Sufjan Stevens. A differenza dei precedenti album, caratterizzati sì da un utilizzo di archi e strumenti a fiato, ma inseriti con una certa pomposità, in "All Things Will Unwind" non ci sono slanci eccetto che per "Be Brave", le orchestrazioni sono essenziali e ben ponderate, talvolta appena accennate per lasciare spazio al significato dei brani, conferendo all'intero lavoro una certa eleganza.
In Italia il tour arriverà a fine novembre, il 21 al Circolo degli Artisti a Roma, e per noi più a nord, il 22 al Teatro Martinitt a Milano. Non saranno presenti tutti i membri della yMusic ensemble, ognuno impegnato nei molteplici progetti paralleli, ma i live dovrebbero essere caratterizzati da un piglio estetico e visuale, sarebbe affascinante se con lei si esibisse la danzatrice Jessica Dessner (visibile nel video di "Be Brave"), che ha preso parte a tutti gli effetti al progetto. Qui
"I Have Never Loved Someone"


La yMusic ensemble (http://ymusicensemble.com/) ha pubblicato qualche settimana fa il primo album "Beautiful Mechanical", in questo caso non metterò il link per il download, ma magari anche se distante dalla linea di questo blog, ne parlerò più approfonditamente in futuro, sicché si tratta di uno degli album che più mi hanno colpita quest'anno.


Buon ascolto! :)

SAGA (live)

Il primo brano è un po' gracchiante, ma per il resto si sente bene.


Buon week-end! :)